Productores, jefes de marketing y espíritus creativos desgastan sus neuronas intentando averiguar cómo se puede mantener la clientela de las salas oscuras. Hacen remakes de películas que convenía dejarlas como estaban, utilizan el 3D hasta en la sopa, rutinariamente, con la avidez de vender entradas más caras a cambio de ofrecer el más difícil todavía, le ofrecen protagonismo exclusivo a los efectos especiales, creen que algo debe cambiar pero no tienen muy claro qué.
Pero, como en los cuentos de hadas, érase una vez en la que un productor llamado Thomas Langmann financió un proyecto con apariencia suicida, una película muda y en blanco y negro. Ocurrió al final de la primera década del tercer milenio, cuando ninguna televisión exhibía cine en blanco y negro en la certidumbre de que no las vería ni Dios, cuando casi todos los niños ignoraban que habían existido dos maravillosos hacedores de risa e incluso de lágrimas (lo segundo solo en el caso de Chaplin, la poética de Keaton no se permitía el sentimentalismo), cuando los agoreros o el realismo aseguraban que iban a desaparecer cosas, rituales y costumbres que habían donado entretenimiento, alegría, emoción, consuelo y felicidad a la gente de cualquier parte. Se titulaba The artist y la parió Michel Hazanavicius, un soñador dotado de fe inquebrantable en su criatura. Y cuentan las crónicas que esa película presuntamente descabellada enamoró a un público numeroso, le concedieron oscars y multitud de premios e incluso esos seres tan raros cuyo exótico trabajo consistía en hacer críticas de cine le concedieron su solemne bendición. Y si todas esas apetecibles y lógicas cosas no hubieran ocurrido con The artist, daría igual. Nadie podría despojarla de su condición natural de joyita, o de joya a secas.
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Esta semana sus preguntas e inquietudes van por Eva Hache y los Goya, la última estupidez del Johnny Depp, el cansino Andrei Tarkovski, Enma Watson que se ha comparado con la Monroe nada menos, el número de noticias que publicamos sobre Batman y su próxima entrega. Billy Crystal que vuelve a los Oscars y el fenómeno Crepúsculo con el estreno de la primera parte de Amanecer. A todo ello me dispongo a responder.
Furia ciega hay que tomárselo como lo que es, un divertimento cercano a lo que puede ser Desperado de Robert Rodríguez con Banderas como protagonista. Estamos ante una cinta de acción que más parece de ciencia ficción o puro comic con escenas de acción imposibles y exageradas hasta un punto casi infinito. Además como les digo siempre en estos casos aquí se trata de comentar la edición de Warner Home Video en Blu-Ray porque las críticas ya las hemos expuesto con motivo de su estreno en salas comerciales.
Por citar algo más de la película les cuento que la historia se basa en un hombre que ha escapado del mismísimo infierno para salvar a su nieta, único familiar con vida que conserva Nicholas Cage. Por el medio persecuciones imposibles y escenas de acción desmesurada y una secuencia destacable por la desmesura: el tiroteo del motel. Lo mejor de todo es William Fichtner en su caracterización de ‘El contable’, aunque tampoco hay que perder la pista a la joven Amber Heard que luce francamente bien.
Seguimos avanzando hacia el periodo navideño dónde tendremos ocasión de regalar y recibir películas y me llama la atención la escasez de preguntas a este respecto. Tal vez la crisis que nos asola, y TODOS padecemos, apunten hacia otras cuestiones. En las próximas semanas iremos viendo opciones para esta temporada tan entrañable que llega en breves fechas.
Muchos éramos los que habíamos dado por perdido a Woody Allen para el cine y, por sorpresa, afortunadamente, no es así. Su última película Midnight in Paris es como un soplo de aire fresco, es como recuperar la emoción del cine como fábrica de sueños. Sueños en la ‘ciudad de luz’, sueños con tiempos pretéritos soñados, añorados e incluso no vividos. De todo esto y alguna cosa nos habla la última película de Woody Allen.
Gil, alter-ego de Allen, es un escritor de guiones de Hollywood con éxito, pero su vocación es la de escritor y sueña con escribir una ‘verdadera’ novela y vivir en Paris al estilo de sus ídolos del París de los años 20. Un viaje a la capital gala en compañía de su prometida y los padres de ésta cambiará su vida, su percepción y afianzará sus objetivos y sueños.
Todos esperábamos algo más de Caperucita Roja de Catherine Hardwicke (directora de Crepúsculo), pero en cualquier caso no se trata de juzgar la película que ya hemos hecho en su momento. Se trata de comentar el Blu-Ray editado recientemente por Warner Home Video. Además la película no está exenta de algunos logros como la atmósfera creada, realmente inquietante en algún momento, la cuida fotografía y todo lo que tiene que ver con la imagen.
La puesta en escena, similar a la empleada por Catherine Hardwicke en Crepúsculo, será muy del agrado del público adolecente a quien sin duda va destinada la cinta. Romanticismo a raudales, tensión sexual no resuelta y todo lo que contienen habitualmente este tipo de películas. Un último punto a tratar sería la sátira del integrismo que aunque diluida está presente en el film.
Sucker Punch no es una película al uso. Estamos ante un film que combina elementos de diversos medios modernos como pueden ser el video juego o el video-clip. Desde el primer momento, en el prólogo, filmado en un estilo cercano al comic en blanco y negro con colores muy atenuados, nos podemos hacer una idea clara de lo que vamos a ver. El director Zack Snyder (que recordarán por 300 o Watchmen) comienza su película en un teatro, en un escenario, con frases en of como ‘Todos tenemos un ángel’ o ‘Cada uno de nosotros tiene el poder sobre el mundo que crea’, mientras nuestra heroína-víctima es conducida a un psiquiatríco para ser lobotomizada.
En algún momento de la proyección de Las aventuras de Tintín. El secreto del Unicornio, las imágenes me parecen demasiado oscuras a través de esas gafas de astronauta que tengo que colocar encima de las mías. Me ocurrió lo mismo con la reconstrucción que hacía Tim Burton de las surrealistas aventuras de Alicia cuando atravesaba el peligroso espejo. Y veo en esa pantalla deformada, en brumas, que la luz es clara. También asisto por primera vez a un sistema de animación empleado durante toda la trama. Me cuentan que se llama captura de movimiento y consiste en que el ordenador graba y guarda los rostros y los movimientos de los actores y eso se convierte en la base del objeto animado. Algo que ya ocurría parcialmente con la figura del monstruo Gollum en El señor de los anillos y con el gorila King Kong en la última adaptación que ha hecho el cine de su temible y enamorado personaje. No puede ser casualidad que a esos dos monstruos, como en Tintín al capitan Haddock, los interprete el mismo actor. Se llama Andy Serkis y a este paso tendrá que aclarar en sus tarjetas de presentación que su arte consiste en traspasar su humanidad a los dibujos animados. Otros se definían en otras épocas como discípulos del Método o actores naturales. Será muy gracioso si prospera la moda capture motion intuir el desgaste neuronal que sufrirán los directores de reparto buscando a histriones de carne y hueso especializados en dar vida a dibujos animados.
Dos semanas más y nos vamos acercando al periodo de navidad, uno de los más fuertes en cuanto a taquilla se refiere. Se acercan los estrenos que irán a los Oscars y otros premios similares. También llegará el momento de hacer resumen de lo mejor y lo peor del año. Todo llegará, ahora es el momento de que responda a sus preguntas que pueden hacernos llegar por los cauces habituales.
Colosal, suprema, extraordinaria son algunas de las definiciones que pueden aplicarse a este Valor de Ley de los hermanos Coen. Se trata de un remake, aunque ellos lo nieguen definiéndolo como una adaptación de la novela, pero por una vez y sin que sirva de precedente la segunda versión puede mejorar la primera y eso que son prácticamente iguales si olvidamos el detalle de que al estar protagonizada por John Wayne (la versión de 1969) éste hace de sí mismo, como siempre, eso sí, con un parche en el ojo izquierdo, justo al revés del que lleva Bridges.
No voy a extenderme en una crítica pormenorizada, en estas misma información les referenciamos unas cuantas, pero no puedo por menos que manifestar mi enorme placer al ver este western crepuscular, con personajes sacados de un mundo diferente al que viven y que enfrentan situaciones cuando menos sorprendentes.
Por segunda semana consecutiva nos vemos obligados a suprimir esta sección por la escasez de preguntas recibidas. Las recibidas como ya hemos señalado son bastante reiterativas y nosotros las refundimos en una única pregunta. Ante esta situación y en tanto no cambien las circunstancias la sección será quincenal. Comenzamos.
La pasada semana no hubo esta sección debido a la escasez de preguntas remitidas por nuestros lectores, además eran todas bastante reiterativas y en estos casos se refunden en una única. Hoy volvemos a la carga con nuevas preguntas que esperan respuesta.
El estreno de la nueva obra de arte de Malick nos hace reconciliarnos con el cine, esa industria que de vez en cuando produce arte y que, habitualmente, nos hace sufrir innumerables tardes de tedio, sopor y aburrimiento. Todo lo contrario es El árbol de la vida donde se dan cita, como nunca había sucedido hasta el momento, los conceptos de ‘lo divino y lo humano’. Una historia que parte de lo personal hacia lo general, tan general como el de dónde venimos y dónde vamos. Una obra monumental, no sólo por la producción en sí misma, por el abanico temático abordado. Una pieza humana, nada prepotente a la cual debemos acercarnos sin prejuicios sobre lo que vamos a ver. Está Brad Pitt, pero que nadie espere uno de sus típicos papeles de chico guapo, comedia u acción. La acción en el film de Malick siempre es interior.
Hay películas que cuentan una historia y otras que son otra cosa, como ésta, la quinta de Terrence Malick. El árbol de la vida trata de la vida de una familia con tres hijos en los años 50 pero, al mismo tiempo, puede describirse como un poema sinfónico sobre la creación del universo, el origen de la vida, la formación del mundo tal como lo conocemos, una especie de cosmogonía en imágenes de una belleza inusitada, en la que la figura humana parece buscar respuestas a las grandes preguntas sobre la naturaleza y el destino, con una desdibujada sombra de un Dios misterioso como telón de fondo. Terrence Malick, que se dio a conocer en los 70 con Malas tierras y Días del cielo y desapareció casi 20 años hasta hacer La delgada línea roja, ha venido alejándose del relato convencional a lo largo de su escueta pero poderosa filmografía, hasta el punto de que su cine, más que con lo narrativo propiamente dicho, aunque también, tiene que ver, cada vez más, con lo pictórico, con lo filosófico, con lo místico y, muy especialmente, con lo orquestal.
No tenemos por costumbre hablar de libros en esta sección de opinión cinematográfica pero en el día de hoy haremos una excepción con la novela “Prométeme que serás libre” de Jorge Molist, una obra muy cinematográfica, que supera las 700 páginas pero que se lee con facilidad y agrado.
Imagino que muchos de ustedes no conocen al escritor Jorge Molist del cual, a groso modo, podemos decir que al margen de su carrera como ejecutivo de varias empresas multinacionales en 2000 publicó Los muros de Jericó y en 2003 Presagio, con excelentes críticas. El anillo en 2004 y La reina oculta en 2007, Premio de Novela Histórica Alfonso X el Sabio, alcanzaron gran éxito de público. Sus obras se han editado en más de veinte idiomas. En el año 2008, superando el temor a pasar hambre (textual), abandonó su actividad profesional en grandes multinacionales para dedicarse exclusivamente a la escritura.
Los problemas del cine en España se enfocan como si sólo fueran importantes porque afectan a un sector de gran relevancia en los medios. Pero lo verdaderamente significativo es plantear lo que sucede con los espectadores. Son sus posibilidades de disfrute ante una oferta cinematográfica atractiva, plural y variada lo que realmente está en juego. Esa oferta se halla cada vez más amenazada por los problemas que afronta la distribución independiente en nuestro país y que, de no resolverse, pueden traducirse en un rápido empobrecimiento cultural y social del público, limitados a conocer las producciones de Hollywood y, en todo caso, las españolas cuyos títulos más taquilleros los suelen comercializar, para más inri, compañías multinacionales de propiedad norteamericana.
Terrence Malick es uno de esos cineastas que amasan el pan de su obra con herramientas de relojero; es minucioso, detallista, reflexivo, templado... Antes se encontraría un número de teléfono en la Biblia que un gramo de frescura en su cine. Y su cine son cinco películas en medio siglo, lo cual viene a probar lo dicho sobre su afán perfeccionista, o quisquilloso. Sólo cinco, pero engarzadas como brillantes en la historia del séptimo arte: «Malas tierras», «Días del Cielo», «La delgada línea roja», «El nuevo mundo» y, ahora, «El árbol de la vida», una película que convierte la palabra desmesura en un ansiolítico. Todo en ella es gigantesco, desde su duración hasta su ambición, pero, mágicamente, todo en ella es también diminuto, cercano, ungible.
"¿Dónde estabas cuando yo fundaba la tierra? (...) ¿Quién fijó sus medidas? (...) ¿Quién tendió sobre ella la cuerda para medir? ¿Sobre qué fueron hundidos sus pilares o quién asentó su piedra angular?", pregunta Dios a Job en el capítulo 38 de su Libro. Unas palabras que resuenan como un martillo pilón en El árbol de la vida, el inspirador, casi inabordable, complejísimo, hermoso, trascendental poema en imágenes que ha compuesto Terrence Malick, el hombre sin rostro, enigma personal y artístico, apenas cinco películas en casi 40 años de carrera, todas extraordinarias, probablemente el director más inescrutable de siempre. ¿Quiénes somos, de dónde venimos, adónde vamos? El origen y el fin. La fuente de la existencia y las puertas de la muerte. ¿Puede una obra de arte englobar no un misterio, sino el Misterio? Quizá sí. El árbol de la vida.
Felicidades por estar aquí, listo para ir al cine. O al menos, si está leyendo esta reseña, pensando en ello. No ha sido fácil, no. Que estemos aquí y ahora, me refiero. Todo empezó con un gran big bang, según nos han contado, y ahora nos vuelve a contar este frondoso árbol cinematográfico por el que se encarama Terrence Malick. También sabemos que esto se acabará ¿Qué pasará después? ¿Nos reencontraremos? ¿Qué ha pasado antes? Preguntas, preguntas sin respuesta que cuelgan con naturalidad de ese árbol erizado de espinas, tan parecido a aquel árbol de la poesía del que hablaba Goethe, creo, y del que el alemán decía que era áureo comparado con las teoría siempre gris de la existencia.
Terrence Malick llega por fin con El árbol de la vida, película que consiguió la Palma de Oro en el último Festival de Cannes y que ha revolucionado la estancada cartelera actual. El director de La delgada línea roja dinamita una forma tradicional de hacer cine para conseguir una obra que puede calificarse de radical, abstracta e innovadora.
Cruel dilema el que propone Terrence Malick en El árbol de la vida; una fisura que divide al mundo entre los dominios de la razón y del sentimiento, entre la entrega a una fe ciega o la sumisión al dictamen de las entrópicas leyes de la naturaleza. Hay que tener valor, incluso estar un poco loco, para querer plasmar en imágenes algo parecido a una respuesta a la cruzada existencial que rige la vida de todo hombre: primero porque dicha empresa es imposible -de ahí, supongo, que la película sea imperfecta, lo que posiblemente la hace aún mejor; al fin y al cabo, quién quiere que las películas sean perfectas- y, segundo, porque cualquier posicionamiento será susceptible de ser atacado. Es lo malo de los bandos: siempre hay uno enfrente que lleva la contraria.
| © lasest · 2006
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